El cine, que hace desfilar ante nuestros ojos veinticuatro (y en otro tiempo dieciséis) imágenes por segundo, puede darnos la ilusión de movimiento porque las




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Historia del cine

El cine, que hace desfilar ante nuestros ojos veinticuatro (y en otro tiempo dieciséis) imágenes por segundo, puede darnos la ilusión de movimiento porque las imágenes que se proyectan en nuestra retina no se borran instantáneamente. Esta cualidad de nuestro ojo, la persistencia retiniana, transforma un tizón que se agita en una línea de fuego. El fenómeno fue comprobado por los antiguos y su estudio se esbozó en los siglos XVII y XVIII con Newton y el Caballero d´Arcy. Hubo, no obstante, que esperar los trabajos de Peter Mark Roget para entrar en el camino que llevó hasta el cine. Como aplicación de sus trabajos, un ilustre físico británico construyo en 1830 la rueda de Faraday, mientras que John Herschel dio nacimiento al primer juguete óptico que utilizo dibujos. El taumátropo, creado en 1825 por Fitton y por el doctor de Paris, es un simple disco de cartón que lleva en su recto y un su verso dos dibujos que se superponen para nuestro ojo cuando se les hace girar rápidamente.

Los aparatos que crean simultáneamente en 1832 Joseph Plateau y el profesor Stampfer utilizan los dispositivos esenciales de la rueda de Faraday y los dibujos del taumátropo.

Sin embargo Plateau parece haber rebasado a su rival en los resultados que obtuvo de la construcción de su fenaquisticopio: sienta en principio que su disco de cartón dentado pude servir lo mismo para reconstruir el movimiento partiendo de una serie de dibujos fijos que para descomponerlo observando una serie de imágenes fijas. Lo cual es sentar, ya en 1833, los principios mismos del cine, tanto para la reproducción como para el registro.

En Viena, en Paris, en Londres, esos aparatitos salen de los gabinetes de física para convertirse en juguetes, que describe minuciosamente Baudelaire, en 1851, lamentando que su precio demasiado elevado los reserve a los más afortunados. Un ingles Horner, les dio una forma nueva con el zoótropo (1834), que lleva una banda de imágenes sobre cartón que anuncia lejanamente el film.

Esos aparatos podían por si solos dar nacimiento al dibujo animado moderno, sobre todo cuando el general austriaco Uchatuis los proyectó en una pantalla, en 1853, combinándolos con la linterna mágica descrita ya en el siglo XVII por el jesuita Kirscher.mas que naciese el cine propiamente dicho, había que utilizar la fotografía. Plateau lo preconizó hacia 1845, pero no pudo realizar ningún trabajo: sus apasionadas investigaciones lo habían dejado ciego. Y si hubieran seguido entonces sus consejos, se habrían tropezado con imposibilidades técnicas.

En efecto, el cine supone la instantánea.la fotografía ha universalizado hoy esta idea; pero estaba lejos de ser ni siquiera sospechada cuando en 1839 el gobierno francés compró sus patentes a Madé Daguerre y a los herederos de Nicéphore Niepce, para regalar el mundo uno de los inventos modernos más maravillosos.



Primer daguerrotipo del mundo
Louis Daguerre, L'Atelier de l'artiste, 1837

 La primera fotografía de Niepce, hacia 1823, la table servie, había necesitado catorce horas de exposición.los primeros daguerrotipos fueron bodegones o paisajes: la exposición necesaria en 1839 aun pasaba mucho de la media hora. Nadie se extrañaba de esas dilataciones: la fotografía era para todos una forma nueva de dibujo, el medio de fijar químicamente las imágenes de las cámara negras (camera obscura) empleadas por los artistas desde comienzos del Renacimiento.

A partir de 1840 el tiempo de exposición se redujo a veinte minutos, y se obtuvieron los primeros retratos de modelos maquillados, inmovilizados, que sudaban a pleno sol y con los ojos obligatoriamente cerrados. Poco después uno o dos minutos bastaban. Pero hubo que esperar el procedimiento del colodión húmedo, que se generalizó a partir de 1851, para que naciese la fotografía con sus placas de vidrio, de las que podían sacarse muchas copias o pruebas.



Reynaud construyó en 1877 un praxinoscopio que perfeccionaba el zoótropo de Horner con el empleo de un tambor de espejos y en 1888 construyó su teatro óptico.

En la misma época Edison hizo entrar el cine en una etapa decisiva, al crear la película moderna de 35mm con cuatro pares de perforaciones por imagen.

El 28 de diciembre de 1895, los hermanos Auguste y Louis Lumière en el Grand Café des Capucines de París, hicieron la primera proyección cinematográfica pública usando un aparato de su invención “el cinematógrafo” en su proyección se representaba la salida de los obreros de la fabrica y la llegada del tren de Cioat.



Cine mudo (1895-1930)

Las proyecciones mudas normalmente no transcurrían en completo silencio, solían estar acompañadas por música en directo, habitualmente improvisada por un pianista y los diálogos se iban explicando por medio de unos rótulos que se encontraban en la parte de en medio. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las populares. Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro.

Georges Méliès fue invitado el 28 de diciembre de 1895 a la primera representación del Cinematógrafo, y al ver el gran invento de los hermanos Lumière decidió comprarles una máquina, pero inmediatamente ellos se negaron a vendérsela sin embargo construyo su propia máquina cinematográfica. Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo, Méliès es el primer inventor de ficciones. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes.

En Catalunya, Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía catalana y española (1897). Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su film "El hotel eléctrico" (1905), donde los trucajes son de los mejores de la época.

David Wark Griffith fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras "El nacimiento de una nación" (1914) e "Intolerancia" (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.

En el caso de Francia, Louis Delluc fue el principal promotor del impresionismo cinematográfico galo, corriente de vanguardia en la cual contribuyeron L'Herbier,Dulac y Epstein; éste último dirigió "La caída de la casa Usher" (1927). Al margen de este movimiento destacan también Abel Gance, autor de "Napoleón" (1927), film donde la técnica de proyección se anticipó al Cinerama- y Jacques Feyder, director de "La Atlántida" (1921).


L´a arrivée d´un train en gare (Louis Lumiére, 1895). La profundidad de campo, como lo muestran estas cuatro fotografías.
Por su parte, el estilo "surrealista" busca expresar el subconsciente de manera poética. A este cine vanguardista contribuyeron dos españoles importantes: el cineasta Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí.

Algunas películas del cine mudo

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Le voyage dans la lune (Méliés, 1902).Los exploradores de la luna sueñan con otros astros. Toda la imaginación del “Julio Verne del cine”

L´affaire Dreyfus (Méliés, 1899).El suicidio del coronel Henry reconstruido con un realismo minucioso.



Intolerancia (Griffith, 1916).En una colosal escenografía babilonia de un kilometro y medio, la más grande que se haya construido, una puesta en escena a la italiana del Festín de Baltasar
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Sperduti nel buio (Nino Martoglio, 1914).Giovanni Grasso en una escena de la primera obra maestra del realismo italiano.

Film de Marx Linder (hacia 1910). El gran cómico unía la observación y los usos de la costumbre a las situaciones más extravagantes barrocas.
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Cine europeo

Los movimientos artísticos que se proyectan en la Europa de los años veinte influyen de manera determinante en el cine. El movimiento más importante en estos años fue el Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película El gabinete del doctor Caligari (1919), seguida después por Nosferatu, el vampiro (1922). También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es Un perro andaluz.

Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense. En 1914, Europa, tuvo grandes productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films que dominaron los mercados internacionales

Cine americano

El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética o la poesía visual. Una pequeña ciudad del Oeste americano, Hollywood, se había convertido en poco tiempo el centro industrial cinematográfico más próspero de los EE.UU. Grandes empresas se reunieron levantando sus estudios donde, además de filmarse las películas, se "construyen" las estrellas para interpretarlas. Un hábil sistema de publicidad crea una atmósfera de leyenda alrededor de los ídolos del público; los actores y las actrices se convierten en mitos. Es el caso de Lilian Gish, Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney, John Gilbert, Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Mae West o Rodolfo Valentino. Se trata del Star System, sistema de producción basado en la popularidad de los actores por medio de la cual consiguieron más beneficios.

Durante la Guerra Europea y aprovechando el descenso de producción en Europa por el mismo motivo, Hollywood se dedicó a dominar los mercados mundiales. La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros... Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico: los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas...; invento de Mack Sennett que descubrió a Chaplin, Lloyd, Turpin, Langdon... Quizás una reacción a la época difícil marcada por la Guerra Europea. Pero serán dos cómicos concretes quienes harán universal el arte de hacer reír en la pantalla: Charlot y Keaton. Payasos geniales y, a la vez, críticos con su sociedad deshumanizada, sus gags han hecho reír a niños y a adultos de diversas generaciones, en todo el mundo. De Charlot es "La quimera del oro" (1925) y de Buster Keaton "El maquinista de la General" (1926).

De los grandes estudios salen grandes producciones, algunas de ellas muy espectaculares como las que hacía el director Cecil B. de Mille, "Los diez mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927).

O bien obras maestras de cineastas extranjeras que se establecieron en Hollywood, como Erich Von Stroheim, autor de "Avaricia" (1924).

Comienzos del cine hablado (1930-1945)

El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la llegada del cine sonoro. La primera película que se considera sonora es El Cantor de Jazz, de Alan Crossland.

Aunque en un principio parecía que la incorporación del sonido restaba expresividad a los planos, pronto se supo aprovechar la capacidad comunicativa que aportaban los diálogos. Los espectadores podían entender mejor las historias y muchos intelectuales vieron la posibilidad de escribir guiones interesantes.

A efectos del cine como sistema global, la incorporación del sonido trajo cambios en la industria. Ya no bastaba con ser fotogénico, sino que la voz tenía que cumplir unas expectativas. En el cine norteamericano muchos actores de origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar en Hollywood, pues su acento no se ajustaba a las exigencias de los personajes, por lo que se vieron relegados a interpretar papeles muy concretos. Las cámaras de cine, para asegurar una buena sintonización entre la banda sonora y la de imagen, pasaron a rodar a 24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la reforma de las salas de exhibición.

La aparición del sonoro también supuso la necesidad de cambiar la estructura financiera de Hollywood. Con la aparición del sonoro el control de la industria se pierde definitivamente para las empresas puramente cinematográficas, y se concentra en manos de la gran banca y de la industria electrónica.

La llegada del sonido también potenció la importancia de los guionistas en la industria del cine, quienes hasta entonces no habían tenido demasiada. Así llegaron a Hollywood muchos periodistas, escritores y dramaturgos (los hermanos Mankiewicz, Charles McArthur, Ben Hecht, etc) de la Costa Este de los EE.UU. y también de Europa, atraídos por la enorme oferta de trabajo que representaba escribir para la industria cinematográfica.

La llegada del sonoro supuso el despegue definitivo de la industria de Hollywood como hegemón mundial en el ámbito de la cinematografía. A partir de este momento se convertiría en la referencia para todos los profesionales del cine. Actores, directores o productores iniciados en sus países de origen respectivos en el mundo del celuloide tendrían como destino la industria de Hollywood, bien por medrar en sus carreras profesionales, bien porque las circunstancias sociopolíticas de Europa les obligaba a ello (la Segunda Guerra Mundial fue causa de una gran diáspora de personalidades del cine).

Algunas películas del cine hablado

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Senso (Visconti, 1953).En torno de Alida Valli una violenta ópera romántica ha sido ordenada por el que dio al neorrealismo italiano su primera obra maestra, Ossessione.


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María Candelaria (Emilio Fernández, 1945). La simplicidad emotiva y directa del cine mexicano (Pedro Armendáriz y Dolores del Río)


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