Seminario: el documental multimedia interactivo




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SEMINARIO: EL DOCUMENTAL MULTIMEDIA INTERACTIVO

CUARTA SESIÓN/PARTE 1
PRIMERA PARTE: EL GÉNERO DOCUMENTAL


  1. DEL DOCUMENTAL MODERNO HASTA LA ACTUALIDAD. SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX I PRINCIPIOS DEL SIGLO XX1.

  2. BIBLIOGRAFIA Y RECURSOS WEB



  1. DEL DOCUMNETAL MODERNO HASTA LA ACTUALIDAD. SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX I PRINCIPIOS DEL SIGLO XX1.



NUEVAS TENDENCIAS DEL DOCUMENTAL CONTEMPORÁNEO
El documental (explícitamente) reflexivo.

El cine-ensayo
El cine-ensayo se asemeja a intentar “escribir un ensayo sociológico en forma

de novela, disponiendo sólo de notas musicales” (Jean-Luc Godard).
Chris Marker
Chris Marker. Nacido en 1921 o en 1929, en Francia o en Mongolia, cineasta militante y maestro de la ocultación –únicamente localizable en un apartado de correos parisino-, buen guardián al mismo tiempo de su obra, una exuberante fusión de arte, política y tecnología por un lado, y de transgresión de las categorías de género y prácticas

narrativas tradicionales en el cine (Marker mezcla como nadie poesía, epístola, ensayo o historia, ficción y no ficción) por otro, definen la idiosincrasia y particular ética de la mirada de Chris Marker, pseudónimo de Christian François Bouche-Villeneuve. Fotonovela, CDROM, video-instalación, videocreaciones o clips, hasta precoces libros

ilustrados: poco ha importado el soporte del que se ha servido desde la década de los 50 del siglo pasado este brillante revolucionario muy capaz de comprender y utilizar además aquellos aspectos virtuosos derivados de los cambios tecnológicos.

Vinculado en sus años mozos de la posguerra al programa educativo audiovisual de la UNESCO Peuple et Culture, comienza su carrera con un trabajo sobre las Olimpiadas de Helsinki y el estimulante trabajo sobre arte africano, Las estatuas también mueren (1953), donde la perspectiva descolonizadora y el potente texto mostraban ya sus credenciales. Codirigido por Alain Resnais, otro realizador obsesionado por la memoria y el tiempo, para él escribirá prodigiosos textos. Funda el cine-ensayo con Lettre de Sibérie (1957), meditación en forma de reportaje sobre la realidad siberiana, germen de tantos otros viajes, siempre con nuevas aportaciones. La consagración la alcanza con un cortometraje mítico, su único trabajo que podemos considerar íntegramente de ficción, La jetée (1962), ‘fotonovela’ montada con un único movimiento perceptible y muestra de su querencia por la ciencia ficción como género de experimentación narrativa e indagación en la historia. Otra preocupación omnipresente, la apertura a vías revolucionarias desde la experiencia contemporánea, trasluce en el vigor de la naciente revolución de los barbudos de ¡Cuba sí! (1961).

A partir de entonces se sublima la figura de Marker como cineasta itinerante y generoso, un fotógrafo testigo que busca la igualdad de las miradas, un trotamundos radical que deja amigos, compromiso, sosiego y misterio allá por donde pasa. Lugares lejanos y rostros admirados como expresión de un yo perspicaz y observador envuelto en un ritmo de producción inagotable: Vietnam, Valparaíso, Pekín, Brasil, Cuba, Guinea-Bissau, Israel, Rumania, Japón, Siberia, Kosovo, dirigentes políticos, acontecimientos y personalidades históricas, artistas como Tarkovsky, Kurosawa, Medvedkine, Montand, Signoret. Su estilo introspectivo y respetuoso filtra hasta hoy los rastros de un espíritu de vanguardia y espontáneo pionerismo. En Le joli mai (1962), filme-encuesta, reinventa el cine directo. En época de revueltas y turbulencias políticas, se implica en trabajos de intervención que alcanzan el cooperativismo y el trabajo pedagógico con obreros. La existencia del artista anónimo diluido en el colectivo se convierte también en esencia de la expresión disidente. Es uno de los creadores del colectivo SLON, cubre huelgas como la de Rhodiaceta y pasa a ser autor de ‘ciné-tracts’, boletines de noticias para estudiantes y trabajadores. Entre su ingente actividad de estos años, envía desde París celuloide virgen a Chile para que Patricio Guzmán pueda salvar del horror su monumental tríptico La batalla de Chile, sorteando el bloqueo estadounidense. El fondo del aire es rojo (1977), miscelánea resumen de una década de luchas centrado en el remontaje de material entresacado de títulos militantes que atestaban su productora ISKRA, resultará la síntesis ejemplar de todas estas sensaciones, unos años que Marker denomina los de la Tercera Guerra Mundial.

Infatigable, su osada amalgama de materiales tiene otro punto de inflexión en la magistral Sans soleil (1982), donde itinerario, diario, ensayo, (auto)biografía, poesía, etnografía, apropiacionismo, memoria, fragmentariedad, compromiso y reflexiones sobre el tiempo se ofrecen como indagaciones básicas entretejidas por rimas y asociaciones imagen-texto a modo de metáforas. El optimismo ante las

posibilidades de uso de las nuevas tecnologías -contra el relativo pesimismo de otro gran ensayista fílmico: Godard- nos aproxima al Marker más innovador. En Level five (1996) la elaboración de un juego informático funciona a modo de exquisita disección de un terrible episodio bélico de la Segunda Guerra Mundial, la batalla de Okinawa. Inmemory (1997), sugerente CD-ROM que anticipa los nuevos soportes y formatos, reúne las virtudes del artista del bricolage multimedia. Los frentes de experimentación, multiplicidad de niveles, reflexión sociopolítica de lo tecnológico, impulsan una construcción libre y abierta compuesta por ocho zonas: Guerra, Poesía, Museo, Foto, Viaje, Cine, Memoria, Xplugs.

Encuentra respuesta en el mundo del arte contemporáneo mucho antes de que la caterva posmoderna intuya los caminos del mestizaje de formas. Siempre sorprendente, en su último trabajo, el divertimento Chats perchés (2004), insinúa su espíritu más lúdico, ajustando las piezas del mundo entre sus retóricas de funcionamiento, lo banal, lo hermoso y lo trascendente: el gato, animal tutelar y símbolo de libertad, deviene sujeto clave de su cosmología. Compañero en las antologías del cine documental de tantos otros maestros (Ivens, Lanzmann, Álvarez, Flaherty, Rouch o Varda), su versatilidad, incapacidad de acomodo, el arsenal de propuestas y la renovación constante lo dejan sin embargo como un islote extremo, un visionario que viene a desenmascarar todas las contradicciones de nuestro tiempo.

Harun Farocki
El universo conceptual de Harun Farocki, dueño de una estética tan propia como ascética, parece desbordar el campo de la Teoría pura del Cine para proponer una reflexión más amplia, que por cierto no excluye a la representación cinematográfica, acerca del estatuto de la Imagen en la sociedad actual. Sus trabajos escritos, sus

ensayos, van en el mismo sentido: se trata de asomarse y develar “que se esconde realmente detrás de las imágenes”. Así, asomarse a su obra, implica vislumbrar mucho de lo mejor de la producción teórica contemporánea. Deleuze, Foucault, Barthés, Virilio y tantos otros, deberán ser invocados en estas páginas en correspondencia con las

propias citas de Farocki. Los filmes y los escritos de Farocki intentan revelar lo que el

Poder tiende a ocultar, el dispositivo que produce las imágenes que vemos y consumimos a diario. Si un dispositivo, desde un punto de vista físico- técnico (las distintas tecnologías - cine, TV, vídeo, etc.- involucradas en la difusión y expansión de las imágenes), simbólico-político e imaginario-fantasmático, es aquello que permite ver lo que se ve, la apuesta de Farocki consiste en hacer visible lo que generalmente se oculta. Veremos, pues, como el cine se vuelve, en Farocki, una herramienta de precisión, un bisturí que hunde su filo en la historia de la Imagen para verificar en ella el desenvolvimiento de los esquemas de pensamiento que constituyen nuestra realidad hoy.
Marlon Riggs
Marlon Riggs (1957-1994). Poeta, educador, realizador y activista gay. Produjo varios

documentales para televisión. Entre sus películas figuran Color Adjustment, Anthem y No Regrets. Su último documental, Black is…Black Ain't ofrece un panorama sobre la situación de los afroamericanos, el racismo, el sexismo y la homofobia.
- Tongues untied (Lenguas desatadas / Tongues Untied: Black Men

Loving Black Men). (Usa, 1990) [Color, 55 m.].


El “dogumentary” (documental Dogma)
Siguiendo la senda marcada por Dogma '95, Lars von Trier presentó a fines del 2002 “Dogumentary”, manifiesto que a través de nueve mandamientos pretende normar la realización de documentales, propuesta que mantiene importantes semejanzas con Dogma. “Dogumentary”, manifiesto para la realización de documentales.

Los Nueve Mandamientos:
1.- Deben darse a conocer todas las locaciones en el filme. (Insertando texto en la imagen. Esto constituye una excepción a la regla número 5. Todo texto debe ser legible).

2.- El comienzo del filme debe esbozar los fines e ideas del director. (Esto debe ser mostrado a los “actores” y técnicos del filme antes de iniciado el rodaje).

3.- El final de la película debe consistir en dos minutos de libre expresión por parte de la “víctima”, quien debe aprobar esta parte del filme terminado. Si ninguno de los colaboradores se opone,

no habrá “víctimas”. Para explicar esto, se insertará un texto al final del filme.

4.- Todos los cortes en la edición deberán ir acompañados por 6 a 12 cuadros (entre un cuarto y medio segundo) en negro.

5.- La manipulación del sonido y/o la imagen no debe tener lugar. El filtrado, la iluminación creativa y/o efectos ópticos están estrictamente prohibidos.

6.- Pistas sonoras adicionales –música o diálogo- no podrán mezclarse con posterioridad al rodaje.

7.- La reconstrucción del concepto, así como la dirección de los actores, no es aceptable. Se prohíbe el agregado de elementos tales como los escenográficos.

8.- Todo uso de cámaras escondidas está prohibido.

9.- No debe haber nunca imágenes de archivo ni material usado para otros programas.

Lars Von Trier, Zentropa Real, mayo de 2001.

Dado a conocer oficialmente en noviembre de 2002
El documental de "metraje encontrado" (found footage)
Este subgénero del cine experimental abarca aquellos trabajos elaborados total o parcialmente a partir de imágenes ya existentes, manipulados y remontados en muchos casos, con el fin de deconstruir los mensajes emitidos por el cine de Hollywood o por los medios de comunicación de masas. La utilización de metraje ajeno cuestiona además los conceptos de la autoría y de la propiedad intelectual;

y como este tipo de apropiación es considerado un robo por la industria, sufre serias trabas para su distribución o su exhibición en televisión. (Metrópolis)
Jay Rosemblatt
Jay Rosenblatt (New York, 1955) estudió Literatura y Psicología y se encontraba camino de iniciar su carrera como psicoterapeuta cuando se apuntó a un curso de super-8 y se enamoró del cine. Desde entonces ha realizado numerosas obras con metraje encontrado, partiendo sobre todo de imágenes procedentes de películas educativas y de material de archivo a las que convierte en mosaicos cinematográficos que son, a la vez,

analíticos y poéticos.
Péter Forgács
No soy un documentalista, soy un arqueólogo de la

memoria” (P. Forgács).
Al director de cine y videocreador húngaro Péter Forgács le gusta citar a el Tractatus Philosophicus de Wittgenstein cuando se le pregunta por su obra: “Todo lo que vemos podría ser de otra manera. Cualquier cosa que describimos podría ser también distinta”. Forgács ha ganado fama y reputación internacional por sus extraordinarias series de películas de recopilación a partir de materiales amateur rodados en

Europa antes y después de la Segunda Guerra Mundial [...]. Es, sin duda, el representante más brillante de cuantos trabajan actualmente en el reciclado y reutilización de imágenes de la historia y, por ese camino, en una de las figuras más

innovadoras de la vanguardia y la no-ficción.
Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi
Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi constituyen una de las parejas de realizadores más importantes del cine documental y experimental de los últimos años. Desde mediados de la década del 70 hasta su más reciente trabajo, Ghiro Ghiro Tondo,

han trabajado con distintos materiales de archivo (cinematográficos y de los otros: juguetes, fotos, etc.) para dar cuenta del inexorable fracaso de la humanidad en sus intentos por vencer a sus eventuales enemigos.
El cine de apropiación
Craig Balwin
El realizador estadounidense Craig Baldwin (Oakland, California; 1952) se encuentra entre las figuras más destacadas del cine experimental contemporáneo, en particular entre aquellos artistas que realizan su obra dentro de los parámetros del found

footage (metraje encontrado por casualidad). Autor de un cine marcadamente politizado, donde la denuncia va de la mano con una muy ácida ironía, el cine de Baldwin también destaca por la maestría con la cual realiza un trabajo de montaje que habitualmente

subvierte el sentido original de las imágenes que utiliza. Graduado por la San Francisco State University en 1986, Baldwin trabajó allí bajo la supervisión del realizador experimental Bruce Conner, aunque confiesa que sus dos más poderosas

influencias son las del documentalista Emile de Antonio y del politólogo y analista de los medios Noam Chomsky. Además de ello, reconoce tener deudas con el movimiento Beat estadounidense y, ya desde un punto de vista quizás más filosófico, con el Movimiento Internacional Situacionista, que dirigiera Guy

Debord. Aunque su primera película fue Wild Gunman (1968), no es sino hasta Flick Skin (1977) que Baldwin revela su inclinación por la manipulación de imágenes tomadas del archivo de la cultura popular y masiva. Por aquella época, mientras vivía encima de un teatro dedicado a la proyección de películas porno, Baldwin se dedicó a reunir trozos de película desechados por los proyeccionistas y que él recogía

en los alrededores del teatro. En su trabajo como promotor destacan iniciativas como Other Cinema, programa de proyecciones que promueve el trabajo de cineastas que trabajan en el estilo del denominado “cine pobre”, y Other Cinema Digital, agrupación dedicada a promover el trabajo de cineastas experimentales, underground e independientes.
Sus obras más conocidas son Tribulation 99: Alien Anomalies Under America (1991), obra que le mereció ser ganador del premio Goldie otorgado por el diario San Francisco Bay Guardian, Sonic Outlaws (1995) y Spectres of the Spectrum (1999).
El documental en primera persona
El cine autobiográfico
Ross McElwee (Carolina del Norte, 1947) transgrede los dogmas del cine directo. El primero, que el autor debe ser invisible. Convertido en protagonista de sus documentales, el realizador camina en un sutil ejercicio de equilibrismo entre lo objetivo y lo subjetivo. “Yo busco un equilibrio de ritmo entre la mirada a mí mismo y al mundo exterior para no caer en la autoindulgencia. Pero me gusta la subjetividad y la uso cuando la necesito”.
Sin planes previos, cada proyecto está sometido al devenir de las circunstancias personales y familiares de McElwee. Con la película que lo hizo célebre en 1986, Shermans's March: A meditation on the possibility of romantic love in the South during an era of nuclear weapons proliferation, quería analizar los efectos de las campañas del militar yankee en los Estados del Sur durante la guerra civil estadounidense. Pero, recién abandonado por su novia, acabó meditando sobre las relaciones amorosas. Time indefinite, en 1994, pretendía ser la crónica del matrimonio y nacimiento del primer hijo del cineasta, pero la muerte de su padre lo convirtió

en un ensayo sobre el paso del tiempo. En Bright leaves (2003), su último documental hasta la fecha, McElwee quería explorar las raíces familiares de su bisabuelo, un magnate tabaquero que perdió su fortuna. Terminó por retratar los efectos sociales del consumo de cigarrillos.

- Sherman's March (Sherman's March: A Mediation to the Possibility of Romantic Love in the South During an Era of Nuclear Weapons Proliferation / La marcha de Sherman). (Usa, 1987) [Color,

157 m.]
El cineasta como recolector
Ser cineasta es ser espigador o espigadora por excelencia, aquel o aquella que recoge todos los trocitos de lo real, las briznas de realidad y que, después, tras el bricolage operado por la cámara y el montaje, debe devolverlos, listos para ser empleados de nuevo, con un nuevo sentido. Cada imagen se presenta entonces como un talismán inestimable que hay que preservar”.
- André Roy: “Agnès Varda. El arte de espigar y el bricolage de la

realidad”. 24 images, nº 123 (septiembre 2005).

- Les glaneurs et la glaneuse (Los espigadores y la espigadora).

(Francia, 2000) [C., 82 m.]

Los “personality films”


El cineasta frente a sí mismo
Para mi el montaje es el juego del cine, es dónde hago descubrimientos. Mis filmes no se ensamblan a partir de ideas preconcebidas o construcciones apriorísticas. Es

como si comenzara con el lienzo en blanco, pongo algo y miro cómo queda. Cada día cuestiono lo que hago, una y otra vez” (Alan Berliner).
El cine de Alan Berliner se caracteriza por su capacidad de combinar el cine doméstico, el cine de metraje, el documental personal y el ensayo audiovisual. Berliner se dio a conocer internacionalmente en 1986 con The Family Album, su primer largometraje documental, confeccionado con películas domésticas de más de 65 familias norteamericanas, rodadas entre 1920 y 1950. Después siguió investigando los temas familiares dedicando Intimate Stranger (1991) a la figura de su abuelo materno, enfrentándose a su padre en Nobody’s Business (1996), y reflexionando

en torno a los nombres de las personas con The Sweetest Sound (2000). En su última película, Wide Awake (2006), la más personal de su filmografía, a través de un novedoso ensayo cinemático, Berliner analiza su propia obsesión con el insomnio y como éste ha afectado a su vida creativa y responsabilidades familiares. Además de su carrera como cineasta, Alan Berliner ha explorado otras posibilidades expresivas de la fotografía, del collage, del vídeo, de la imagen electrónica y de los nuevos medios

informáticos e Internet, a través de instalaciones y exposiciones personales y colectivas.
- Nobody Business. (Usa, 1996) [Color, 60 m.]

Ficha técnica. Dirección, Guión, Fotografía y

Producción: Alan Berliner. Productora: Cine-matrix.

Lourdes Portillo
Directora, productora y escritora nacida en México. Su propia identificación como chinana ha hecho que sus creaciones exploren la experiencia latina-chicana en el mundo. En el campo audiovisual ha trabajado ampliamente en distintos formatos, experimentando con la fórmula documental hasta las propias fronteras de ese formato.

Entre sus producciones, destacan Las Madres: The Mothers of Plaza de Mayo (Lourdes Portillo y Susana Blaustein Muñoz, 1986), sobre la lucha por la justicia de las Madres de la Plaza de Mayo, madres de los desaparecidos durante la dictadura argentina entre los años 70 y 80; La Ofrenda: The Days of the Dead (1988), sobre la fiesta del Día de Todos los Santos en México y EE.UU; Columbus on Trial (1992), documento experimental en forma de sátira de Cristóbal Colón y el Quinto Centenario, con el grupo de teatro latino Culture Clash ; The Devil Never Sleeps (1996) que refleja las pasiones internas, odios y amores de una familia mejicana; Corpus a Home Movie for Selena (1997) que documenta la vida de Selena, una cantante tejana que fue asesinada por la

presidenta de su club de fans; Señorita Extraviada (2001) sobre los asesinatos de mujeres en Ciudad Juárez ; y My McQueen (2004) documental sobre la influencia del cineasta Steve McQueen.
- The Devil Never Sleeps (El diablo nunca

duerme). (Usa-México, 1994) [Color, 87 m.]
El narrador-protagonista
Michael Moore (23 de abril de 1954. Flint, Michigan). Activista político, periodista y cineasta estadounidense. Criado en el seno de una familia católica de origen irlandés, tras pasar brevemente por un seminario diocesano, se implicó en asuntos sociales y políticos desde su adolescencia, participando en la junta escolar de su instituto e

integrándose en los Eagle Scouts, en donde denunció el proceder de varias empresas con poco respeto por el entorno natural. Tras pasar por la Universidad de Michigan, Michael Moore abandonó sus estudios para trabajar como editor y redactor en “The Flint

Voice”, convertida después en “The Michigan Voice”, publicación desde la cual dio inicio a su aguda capacidad como comentarista política. A mediados de los años 80 Moore pasó a ocuparse en San Francisco de la edición de “Mother Jones”, revista de la cual fue despedido tras rechazar la publicación de un artículo en contra de los sandinistas en Nicaragua escrito por Paul Berman. A fines de los 80 dirige Roger and Me (1989), documental en clave de comedia que satirizaba el proceder de la General Motors tras cerrar varias de sus fábricas y despedir a miles de trabajadores en Flint, Michael Moore consiguió la relevancia en su país, logrando unánimes críticas favorables a su primer y punzante trabajo cinematográfico que había sido financiado con el finiquito otorgado por los propietarios de “Mother Jones” tras su despido. Posteriormente realizaría un documental para televisión sobre el mismo tema, “Pet sor Meat: The Return to Flint” (1992), corto que fue incluido en la película de episodios Two Mikes Don’t Make A Wright (1992). Un año antes había colaborado con Kevin Rafferty, Anne Bohlen y James Ridgeway en Blood in the face (1991), documental sobre grupos neonazis y racistas. Operación Canadá (1994) fue su primera y única película de ficción. Protagonizada por John Candy y Alan Alda, el film era una comedia sobre las esperanzas de un presidente de los Estados Unidos por recuperar su nivel de popularidad dando inicio a una guerra fría contra Canadá. El mismo año se emitió su satírico “TV Nation”, un programa de televisión que no obtuvo los resultados de audiencia esperados por lo que terminaría desapareciendo tras un breve tiempo en antena. Por el contrario y en 1996, Michael Moore, prosiguiendo sus habituales denuncias sociopolíticas, consiguió un gran éxito popular con la publicación del libro “Downsized This: Ramdom Threats From An Unarmed American”. En The Big One (1997) y aprovechando su gira de promoción del libro, Moore denunció la explotación de las multinacionales y las desigualdades económicas existentes en los Estados Unidos. Tras realizar y escribir la serie “The Awful Truth” publicó el libro “Estúpidos hombres blancos” (2001) y alcanzó la fama internacional con su documental Bowling for Columbine (2002), una reflexión satírica sobre la posesión de armas y la violencia en su país que le granjeó el Oscar al mejor documental del año. Posteriormente publicaría el libro “¿Qué han hecho con mi país, tío?” (2004), retornando a la pantalla grande con Fahrenheit 9/11 (2004), un título que aborda una sátira contra el gobierno de la Administración de George W. Bush, en especial sobre la decisión de entablar un conflicto bélico en Irak. Su siguiente trabajo fue Sicko (2007), documental que aborda con una visión crítica el sistema de salud en los Estados Unidos.
- Roger and Me (Roger & Me. A Humorous Look at How

General Motors Destroy Flint, Michigan (USA) / Roger y yo). (Usa,

1989) [Color, 85 m.]
Nick Broomfield (Londres, 1948).
Estudió Leyes en Cardiff y Ciencias Políticas en la Universidad de Essex y posteriormente cine en la National Film and Television School, con el profesor Colin Young, quien tuvo una gran influencia sobre su trabajo, animándole para que hiciera una observación participativa y presentándole a Joan Churchill, con la que rodó

varias películas. Originalmente estuvo influido por el estilo observacional de Fred

Wiseman, Robert Leacock y Pennebaker, antes de variar, en parte de forma

accidental, hacia el estilo más personal por el que se le conoce. En 1988,

mientras estaba rodando Driving Me Crazy, una película completamente

fuera de su control, Nick decidió colocarse a sí mismo y al productor de la

película en la historia, como una forma de que aquel trabajo tuviera sentido.

Este experimento le llevó a una mayor sensación de libertad, a partir de los límites del cine observacional y a un tipo de cine más investigador y experimental.

Su filmografía se compone de Juvenile Liaison (1976), Tattooed Tears (1978), Soldier Girls (1981), Chicken Ranch (1983), Lily Tomlin (1986), Driving Me Crazy (1988), Diamond Skulls (Cuerpo de élite, 1989), The Leader, His Driver and the Driver’s Wife (1991), Aileen Wuornos: The Selling of a Serial Killer (1992), Monster in a Box (1992), Tracking Down Maggie: The Unofficial Biography of Margaret Thatcher (1994), Biggie and Tupac (2002), Aileen: Life and Death of a Serial Killer (2004), Ghosts (2006) y Battle for Haditha (2007). Para la televisión ha dirigido Heidi Fleiss: Hollywood Madam (1995) y His Big White Self (2006).
¿Verdadero o Falso? La ruptura de las fronteras entre

realidad y ficción
El documental reconstruido / dramatizado
Creo que el cinema vérité ha hecho retroceder al cine documental veinte o

treinta años. Consideran el documental como una sub-especie del periodismo…No hay

ninguna razón por la que los documentales no puedan ser tan personales como el cine

de ficción y llevar la marca de quienes los realizan. La verdad no viene garantizada por

el estilo o la expresión. No viene garantizada por nada” (Errol Morris).
Errol Morris (Long Island, New York; 1948), licenciado en filosofía y notable realizador publicitario, es autor de una producción de carácter documental, ocho largometrajes y una serie de televisión, centradas en torno a testimonios de sujetos reales. Narraciones en primera persona en las que, como memorable retratista de la

excentricidad, una suerte de cineasta-detective, presenta dispositivos que le permiten indagar, fragmentar y completar desde particulares situaciones hasta memorias ajenas, concibiendo un conjunto de originales relatos biográficos que cuestionan la noción misma de verdad asociada tradicionalmente a la categoría de no ficción .[...]

El empleo de referentes fílmicos genéricos (incluso de imágenes extraídas de otras películas), las reescenificaciones dramatizadas, la fragmentariedad como superación del aparente estatismo del close-up, la importancia de la banda sonora musical, la combinación de los materiales más diversos (home movies, noticiarios, material de archivo) rompen con los recursos tradicionales del documental testimonial, del

docudrama y de la tradición documentalista más purista, en cierto modo refractaria a la inclusión de la no ficción en las categorías artísticas, estilizando la narración. [...]

Los dos primeros largometrajes, Gates of heaven (1978) y Vernon, Florida (1981), remiten todavía a modelos de corte observacional, subrayados por el premonitorio cultivo o querencia por criaturas peculiares, el comienzo de una cartografía de seres extraños imbricados en narraciones sazonadas por buenas dosis de humor y patetismo, que mezclan la paciencia y perspicacia del realizador para estructurar tratados cercanos al absurdo existencial. [...]
El extraordinario éxito de The thin blue line (1988), intensa y elaborada introspección en la dudosa maquinaria pericial y los entresijos de la representación, se convierte, además, en uno de esos contados casos en los que un relato fílmico interviene aportando pruebas y contribuye a modificar la realidad [...]. Cineasta en extremo coherente, toda la sucesión de títulos estimulantes posteriores, Fast, Cheap & Out of control (1997), Mr. Death (1999), The Fog of War. Eleven lessons from the life of Robert S. McNamara o la serie First Person (2000-2001), presentan a un autor en el que la estilización

deliberada, la depuración de materiales y la estructura medida de la narración parecen redescubrir o unir alternativas fuera de toda ortodoxia.»
El falso documental (Mockumentary)
El falso documental es un género de cine y televisión o una obra de dicho género. Se suele incluir dentro de la comedia, aunque existen casos de falsos documentales dramáticos. El falso documental se presenta como una grabación de la vida real, aunque se produce como una obra de ficción. Es un medio habitual de parodia y sátira.

A menudo se presentan como documentales históricos con comentaristas que hablan de sucesos pasados o, utilizando un recurso del cine de realidad, con personajes a los que se sigue a través de varias situaciones. Los ejemplos de esta forma de sátira se remontan al menos a los años 1950 (un ejemplo muy temprano lo encontramos en una emisión de 1957 del programa británico Panorama), si bien el término inglés que lo designa (mockumentary) se atribuye a Rob Reiner, director de This is Spinal Tap, que lo usó en una entrevista de mediados de los años 1980 para referirse a dicha película.

Aunque más escasos, los ejemplos de falsos documentales dramáticos tienen un antecesor clásico en la versión para radio que creó Orson Welles de La guerra de los mundos. Es frecuente que los falsos documentales sean parcial o totalmente improvisados, bajo la premisa de que este estilo de actuación ayuda a sostener la sensación de realismo.

Algunos ejemplos notables:
Pionero:

- The Truth About the North Pole (La verdad acerca del Polo Norte). Frederick Cook (Usa, 1912) [B/N, 17 m.]. Formato: mpeg1 (VO).


Latinoamericanos:

Manuel Octavio Gómez.
- La primera carga al machete.(Cuba, 1968) [B/N, 80 m.].

Agarrando pueblo.

(Colombia, 1977) [B/N, 28 m.].
Norteamericanos:
Peter Watkins
Culloden. (GB, 1964) [B/N, 69 m.].

The War Game (El juego de la guerra).

(Reino Unido, 1965) [B/N, 47 m.].

Punishment Park. (Usa, 1971) [Color, 88 m.].

La Commune (Paris 1871).

(Francia, 2001) [B/N-Color, 345 m.].
La historia virtual (What if...?)
- It Happened Here (La invasión de Inglaterra).

(GB, 1965) [B/N, 99 m.]

Ficha técnica. Dirección y Guión: Andrew Mollo, Kevin

Brownlow. Fotografía: Andrew Mollo, Peter Suschitzky. Música:

Jack Beaver. Productora: Rath Films / United Artists. Formato: DivX

(VO).

CSA: The Confederate States of America.

(Usa, 2004) [B/N-Color, 89 m.].

Ficha técnica. Director: Kevin Willmott
Fake (¿Verdadero o falso?)
Vérités et Mensonges (Fraude / F for Fake).

(Francia-RFA-Irán, 1974) [B/N-Color, 85 m.]

Ficha técnica. Director: Orson Welles.

Forgotten Silver (La verdadera historia del cine).

(Nueva Zelanda, 1996) [B/N-Color, 53 m.]

Ficha técnica. Dirección y Guión: Peter Jackson, Costa Botes



  1. BIBLIOGRAFIA Y RECURSOS WEB


CHRIS MARKER

http://www.youtube.com/results?search_query=Chris+Marker&search_type=&aq=f

(YOUTUBE CHRIS MARKER)

ROSS MCELWEE

http://www.youtube.com/results?search_query=Ross+McElwee+&search_type=&aq=f

(YOUTUBE ROSS MCELWEE)

AGNES VARDA

http://www.youtube.com/results?search_query=Agn%C3%A8s+Varda&search_type=&aq=f

(YOUTUBE AGNES VARDA)

ALAN BERLINER

http://www.youtube.com/results?search_query=Alan+Berliner&search_type=&aq=f

(YOUTUBE ALAN BERLINER)

MICHAEL MOORE

http://www.youtube.com/results?search_query=Michael+Moore+&search_type=&aq=f

(YOUTUBE MICHAEL MOORE)

ERROL MORRIS

http://www.youtube.com/results?search_query=Errol+Morris+&search_type=&aq=f

(YOUTUBE ERROL MORRIS)

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